Fomentar el coleccionismo, potenciar artistas nuevos y promover el arte son los objetivos de Zona MACO, sin embargo, ¿hasta qué punto en esta feria de arte contemporáneo podemos encontrar algo que no se haya hecho jamás? Aquí lo desvelamos.

Contrario a lo que muchos pueden decir, la originalidad no necesariamente tiene que ver con hacer algo nuevo, sino con hacer algo propio. La RAE define a la originalidad como algo que tiene “carácter de novedad” y partiendo de esta idea, en pleno 2016, resulta que a muchos les alarma la concepción y forma del arte contemporáneo.

Pero entonces, ¿a qué se le debe considerar arte y a qué no?, ¿debe tener una técnica bien realizada?, ¿debe seguir tendencias para tener algún sentido? A simple vista la respuesta apunta a los criterios clásicos que actualmente conservamos sin disputar un por qué, pero al recorrer los pasillos de la edición 2016 de Zona MACO, nuestra percepción fue distinta.

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Hay historias, vivencias autobiográficas, trazos, objetos, intervenciones con concreto y hasta partículas de protesta en cada una de las obras ahí expuestas. Porque el arte no sólo se creó para exhibirse en los muros de las galerías, casas o museos, está ahí para cambiarnos y resignificar con sus formas y expresividad, la percepción del mundo.

A continuación presentamos las 10 obras que nos sorprendieron en esta edición de Zona MACO, la Feria más importante de Arte Contemporáneo en México y una de las más importantes de Latinoamérica.

Fragile Future 3.10, de Studio Drift (2010)

En esta galería en la que se conjuga el diseño y la funcionalidad, descubrimos Fragile Future 3.10, una pieza que en palabras de Loic LeGallard, uno de sus propietarios, “la barrera entre el diseño y el arte contemporáneo desaparece”.

Las esculturas, como la realizada por Studio Drift (Ralph Nauta y Lonneke Gorgjin), le interesan al galerista porque se pueden transformar en algo funcional. En ella se explora la relación entre la naturaleza, la tecnología y la humanidad.

En Studio Drift se plasma una visión de ese futuro en el que vivimos, en su estética se mezcla la alta tecnología y las imágenes poéticas de la naturaleza, como lo es el diente de león. Se recolectan las semillas de esta planta y se insertan en los leds en la escultura, posteriormente, se espera a que florezca, lo cual la hace especial, ya que hace más atractiva la instalación.

@carpenters_cwg

STUDIO DRIFT_FF 3

Chakana, de Amalia Valdés (2016)

Amalia esculpe con un láser un lienzo de acero inoxidable para crear las piezas modulares que enmarcan la figura de Chakana, que es una cruz que significa en la simbología andina “luz de los Andes” y está presente en diferentes culturas de esta zona. Por ello, esta imagen que la autora considera “muy potente”, logra una mezcla cultural, que a partir de 13 piezas, plantea en su silueta un estado agresivo por parte del corte y que además, el espectador, al enfrentarse a la obra, completa a la misma, porque se ve reflejado en ella, menciona la artista a Forbes Life. Asimismo la creadora dijo que se pueden obtener distintas reinterpretaciones, ya que va cambiando la forma de Chakana, dependiendo de quién se instale frente a ella.

AmaliaValdesChakana308x308cm2016acero inoxcorte laser y pintura acrilica

Trade marks, de Edgar Orlaneta (2015-2016)

La pieza de este artista mexicano se encuentra incompleta. Se trata de un mural movible, donde cada trazo está realizado en acero, los cuales están inspirados en varios de los más influyentes artistas de la modernidad, como pintores, escultores, arquitectos y diseñadores. El trabajo de Edgar ha estado muy influenciado en el diseño industrial y el diseño editorial, en donde desafía las fronteras de estas disciplinas. Se podría considerar a Trade marks, como una obra que se encuentra entre lo bidimensional y lo tridimensional. En ella cada uno de sus elementos se puede mover, lo cual,  le otorga la posibilidad de tener mutaciones.

the 9_99 gallery

Pilares, de Ishmael Randall-Weeks (2014).

Este artista de origen peruano, vive en uno de los pueblos más remotos de Machu Pichu y simultáneamente, en la ciudad de Nueva York. Estudió Artes Plásticas y su carrera despuntó en el año 2000,  ha expuesto en México, Bolivia, Perú y en Nueva York. Su obra habla un poco de las vivencias en los destino en los que ha vivido. En Un pilar, se observan libros tallados, en los que ha vaciado concreto para darles una forma de columna. Imita el relieve del territorio montañoso de donde él es originario. Tiene otras piezas con libros tallados y que incluyen elementos de la construcción como ladrillos, caucho, concreto, cristales y varillas.

@GaleriaArroniz

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Sad Smiley, de Jan Peter Hammer, (2014).

Esta obra del artista alemán, que comenzó su carrera cuando nació un gran interés por la teoría del cine y la literatura, específicamente por el Nouveau Roman. Dentro de sus obras se encuentran películas e instalaciones, en las que describen los pensamientos y motivaciones de carácter proto-liberal. Sad Smiley es una de las piezas en las que a partir de tubos de luz neón modifica su esencia, como en esta imagen icónica del capitalismo, asimismo lo ha realizado con figuras como la de Hello Kitty.

@L_A_B_O_R

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Sincretismo de resistencia, de Humberto Márquez (1968)

Esta pieza de barro negro, madera, metal y pigmento de grana cochinilla es un reflejo de la desilusión por los fracasos de los movimientos sociales de la década de los 60, que llevaron al artistas a una estetización de la política. Más allá de una actitud capitalista, Humberto optó por una transgresión más sutil. Él aplica folclor a los objetos y productos del capitalismo, a manera de destabilizar su significado y proponer una nueva identidad latinoamericana.

@hffanewyork

Henrique

Mudanza, de Angela de la Cruz (2015)

Esta artista que estuvo nominada al premio Turner en el 2010 refleja, en Mudanza, su experiencia en silla de ruedas después de recuperarse del coma. Esta situación la imposibilita a realizar obras de gran formato, es por ello que interviene las piezas al formato de su nueva estatura en la silla de ruedas. Es una obra autobiográfica, en la que las figuras, en su mayoría realizadas de aluminio, son previamente modeladas en cartón, pero también óleos y acrílicos sobre lienzos y sillas de plástico presentan colores cítricos intensos, que contrastan con el carácter de la ciudad de Bilbao, una de las más industrializadas de España y en constante movimiento.

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Bordes y contornos del paisaje, de José Luis Landet (2012-2016)

Este artista argentino trabaja con pinturas que compra en mercados antiguos (de pintores no conocidos), es decir, aquellos que pintan bodegones, naturaleza muerta y figuras, y que firma como Gómez, Fernández, Martínez. Lo que hace con éstas es cortarlas, las deforma y las reinventa. A veces las corta en pequeños cuadrados y crea nuevos paisajes, y a veces usa las retículas (u orillas de los marcos), como en esta pieza en la que emplea todos los bordes, creando una nueva estructura o paisaje. Propone en esta escultura la “apoderación y construcción es una nueva lectura a partir de esta obra”.

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Y la palabra se hizo carne, de Marina Vargas (2012)

A través de piezas de resina de poliéster policromada se muestran formas de manos que evocan el lenguaje de signos. Cada mano es un signo dentro de este lenguaje. La frase Y la palabra se hizo carne tiene un significado bíblico, por eso casi todas las manos tienen llagas en los dedos. La artista de origen español, suele utilizar estas referencias religiosas porque son parte de su historia de vida .

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In Between, de Alberto Lopez Corpuera (2015)

Esta obra parte de su idea de fronteras y líneas que intervienen en los objetos, como es el caso de la bicicleta interviniendo en la pared de concreto. Habla de cruzar las barreras. Este artista nació en Guadalajara, y su propuesta se basa en las relaciones entre dos o más aspectos de la vida, explora diversas disciplinas como el dibujo, la escultura y la instalación para lograr expresar el objetivo teórico de sus proyectos.

@peana_projects

Alberto Lopez

Para mayor información:

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