Hay quien no considera arte sentarse siete horas al día inmóvil, en la silla de un museo, durante tres meses, para que, en otra frente a ti, se siente quien así lo desee. No es el caso del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, que, en 2010 expuso “La artista está presente”, como parte de una retrospectiva sobre Marina Abramović.
Más de 750,000 visitantes acudieron a la exposición en forma ininterrumpida, llegando a dormir en la calle con tal de acceder al museo. Entre quienes se sentaron, destacan Björk, Lou Reed e Isabella Rossellini.
Tras Aplazarse por Covid, el próximo 25 de septiembre, La Real Academia de Londres inaugurará “After Life” (“Después de la Vida”), la primera retrospectiva que la institución dedica a una mujer artista en sus 250 años de existencia. El honor no ha recaído en pintoras ni escultoras, sino en esta artista del performance.
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Carmen Reviriego: Tu madre fue parte del sistema en la Yugoslavia comunista. ¿Crees que esto influyo en tu primer contacto con el arte y en la necesidad de escapar de las reglas establecidas?
Marina Abramović: Todo lo que sucede en la infancia, sobre todo para un artista, se refleja más adelante en su arte. Cuando era niña, mi madre estudiaba Historia del Arte, y la primera palabra que dije no fue “mamá” ni “papá”, fue “El Greco”. Y El Greco se convirtió, más adelante, cuando empecé a estudiar Historia del Arte, en mi pintor favorito.
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Mi madre compraba arte para el gobierno. Visitaba estudios de artistas y me llevaba con ella. Mientras hablaba con el artista, me daban cosas con las que jugar para tenerme callada: arcilla, esculturas pequeñas o trocitos de papel para dibujar. Así que, desde pequeña he estado expuesta al arte. Siempre quise ser artista. Nunca he querido otra cosa.
Me sorprendió que Thomas Danto, el gran teórico del arte, ya fallecido, hablara de “magia” en un artículo en el que recordó los 10 minutos que pasó sentado frente a ti en el MoMa. Decía que [conforme pasaba el tiempo] te ibas volviendo translúcida. No sé si recuerdas aquel momento con él…
Llegaron a sentarse delante de mí 1,500 personas, así que no recuerdo exactamente lo que sentí en ese momento en particular, pero sí que cada persona que había delante de mí era única.
Traté de transmitir amor incondicional a todas esas personas desconocidas, a cualquiera que se sentara delante de mí; quería estar vacía para poder recibir toda la energía de los demás.
Ese performance cambió mi vida… de verdad, porque luego de vivir esas 715 horas a lo largo de tres meses, ya nunca volví a ser la misma. Comprendí el poder de las emociones, de estar presente, el poder de transmitir y recibir energía del ser humano a todos los niveles. Cambió mi vida.
¿Cómo se materializó [la idea de] “The Artist is Present”?
Vi una gran oportunidad. El museo es como un tornado. El arte está por todas partes: en la biblioteca, en la librería, en otras galerías, todo moviéndose, pero… “¿y si yo me quedo inmóvil en el centro?”, pensé. Cada tornado tiene un ojo, y en el ojo todo es paz. Si yo me quedaba ahí, quieta, y ponía cada molécula de mi cuerpo en esa obra, vería fluir la energía necesaria para cambiar algo. Y recuerdo que Klaus Biesenbach me dijo: “Eso es ridículo. Esto es Nueva York; nadie tiene tiempo. La sala va a estar vacía siempre”.
Y nunca lo estuvo…
La gente dormía en la calle, a las puertas del museo, esperaba [haciendo] colas enormes… Era increíble, no sólo por el hecho de que la gente viniera a verme, sino por las emociones que surgían: lloraban y se conmovían profundamente. Entendieron que, en mi performance, existía la posibilidad de la transformación. Era algo evidente. Así que mi legado sería haber introducido el arte del performance en la cultura de la gente.
¿Realmente la sociedad tiene una relación de amor-odio con el artista? ¿Te ha llegado a hacer sufrir?
Desde luego. Sufrí mucho, sobre todo de joven. Lo bueno de envejecer es que te haces más sabia, y así sufres menos, porque las cosas suelen repetirse. Pero, sinceramente, la sociedad de mi país rechazó tremendamente mis primeros performances, a principios de los 70.
Escribieron artículos horribles en los que sugerían que me llevaran a un centro de salud mental. En las reuniones comunistas se cuestionaba a mi familia por el tipo de educación que me proporcionaba; mis antiguos profesores de la Academia estaban muy enfadados… Todos estaban en mi contra.
Estaba claro que lo que estaba haciendo, o lo que había hecho, no se iba a aceptar inmediatamente en esa época, pero sería una parte importante de nuestra historia. Creo realmente que el artista debe ir por delante de la sociedad, tener esa sensación de futuro.
¿Cuál será el arte del futuro?
En el siglo XX, ya me preguntaban qué era el arte del futuro. Para mí, el arte del futuro es un arte en el que no hay objeto entre público y artista, en el que la energía se transmite directamente, y esto es muy difícil, incluso en el siglo XXI.
Ahora todo se centra en las colecciones: colecciones de objetos, de arte, etc., pero el arte del futuro, el arte puro, se centra en la transmisión de energía únicamente. Sé que es difícil de entender, pero confío en que se entienda.
Creo que pasar de lo inmaterial a lo material tiene un componente totémico.
Para mí, lo inmaterial lo es todo. Observa a los performers. Los buenos pueden cambiar tu vida. Sin embargo, hay muchos performers malos… que no hacen nada.
Pero, cuando ves algo distinto, algo emocional, muy profundo y fuerte… no puedes tomar un clavo y colgar las emociones en la pared como si fuera una pintura; simplemente, no puedes. Pero, piensa en tu vida: ¿Qué te ha cambiado realmente? Las emociones, lo que experimentas, y los performances son eso: emociones, algo que experimentas. Y eso es lo que siempre he buscado.
¿Cuál es el futuro del performance? ¿Cómo puede ser capturado?
Tenemos la fotografía, el video, los objetos que utilizas en los performances, pero también está la documentación. Pensé en qué podría hacer para capturar realmente la existencia y la inexistencia, la vida y la muerte.
He trabajado mucho en eso, porque es lo que, con suerte, voy a mostrar en la Royal Academy en este 2021. Estoy segura de que esta nueva obra, que hice en Madrid con Adam, podrá dar una respuesta. Tardamos seis años en darnos cuenta de esto, y eso es lo que voy a mostrar en la Royal Academy. La obra se llama “After Life”.
After Life… Sé que piensas en cuál será tu legado.
Uf… Verás: una vez que cumples los 70, ya sabes que estás en la última parte de tu vida, en las últimas décadas. Creo que lo más importante es que he introducido el arte del performance en el flujo de la cultura que ya pertenece a la gente. [Lo sé] porque, cuando empecé, este tipo de arte no era para nada común… ni siquiera se consideraba arte.
Para concluir con esta entrevista, háblame acerca del Instituto
Abramović y su “Método”
Es algo muy importante para mí: es el cómo explicarle al público la forma de ver el performance. Porque no se trata solamente de hacer una performance: tienes que proporcionarle herramientas al público. Es por eso que creé el “Método Abramović”. Ahora ves una obra, el performance de un artista, y también ves el proceso, el método.
“Mi legado sería haber introducido este arte del performance en la cultura que ya pertenece a la gente”
Artículo originalmente publicado en la edición print de Forbes México. Febrero 2021.
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